Efrén González junto a la obra que le ganó el primer lugar en paisajismo, y tercero en categoría urbana. Foto: Cortesía.
Sofía Medeles- Efrén González y Antonio López Vega, ambos artistas de Ajijic, destacaron en diferentes concursos nacionales de creación de obra, trayendo al Pueblo Mágico, el primer y segundo lugar respectivamente.
El concurso en el que participó Efrén González fue de acuarela al aire libre, y se llevó a cabo del 10 al 13 de noviembre, en San Miguel de Allende. El creador, se destacó entre los 30 artistas participantes, donde además de haber mexicanos, había exponentes de países como Canadá, Estados Unidos, Rusia, etc.
Efrén, ganó el primer lugar en la categoría de paisajismo, y el tercer lugar en categoría urbana, siendo él, el único ganador mexicano.
Por otro lado, López Vega, participó en un concurso de intervención de botellas de agave de la marca de tequila “El Corralejo”, con elementos alusivos del compositor José Alfredo Jiménez. Este, se llevó a cabo en Dolores Hidalgo, y fue orquestado dentro del programa de pueblos mágicos.
Su creación, se llevó el segundo lugar, y el tema del compositor homenajeado que él eligió, fue “El jinete”. “Elegí la canción por su profundo simbolismo del amor, la vida, y la muerte. Agradezco la invitación, y estoy conforme con lo ganado a nombre de nuestro pueblo”, sentenció Antonio.
José Raúl Terriquez Villanueva director de El Hoyo. Foto: Cortesía.
Domingo M. Flores / Jazmín Stengel.- El cortometraje El Hoyo, del chapalense José Raúl Terríquez Villanueva se volvió a proyectar, pero ahora en la Cineteca del Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG), el 26 de octubre, en el marco del festival de cine Ciclo de Horror en México 2022.
El cortometraje producido por completo en el municipio de Chapala se estrenó hace siete años, en el 2015 en los festivales MIAX de Guadalajara a nivel regional, en Feratum a nivel nacional y en el Festival de Cannes en Francia a nivel internacional.
La producción de El Hoyo se realizó sin patrocinadores, todo de manera independiente; con una cámara básica y un monstruo de látex, explicó el director José Raúl Terriquez Villanueva, quien con su compañero Alonso Valdéz realizaron el filme de 19 minutos, que cuenta como un niño sin hogar se fanatiza con la sangre, al grado de lastimar animales para verla.
Para los jóvenes cineastas el corto fue la prueba de su aprendizaje tras graduarse de la Universidad de Guadalajara (UdeG), en la licenciatura de Medios Audiovisuales en 2014.
A pesar de lo logrado con su primer cortometraje, por “cuestiones de la vida”, el grupo abandonó las producciones, Alonso Valdéz volvió a su lugar de origen en el estado de Sinaloa, y Terriquez Villanueva actualmente trabaja en la empresa familiar Oh Shirt, en Chapala.
A sus 31 años, el director planea retomar el arte audiovisual con sus antigüos colegas, la meta es grabar una serie de cortometrajes, no obstante tienen que afrontar el trabajo a distancia y el presupuesto para la producción.
“Hacer cine de terror requiere cosas muy específicas”, para lograr los contrastes y efectos deseados, lo que hace más costosa una producción de calidad.
“La experiencia me ha enseñado que hay que formarte… el cine es arte y para entender ese lenguaje hay que estudiarlo”, finalizó Terríquez Villanueva.
Obra perteneciente a la exposición “Xavier Mascaró: Obra reciente”. Foto: Secretaría de Cultura.
Redacción.- Fue inaugurada la exposición “Xavier Mascaró: Obra reciente”, en el Centro Cultural González Gallo de Chapala (CCGG) del OPD de Museos, Exposiciones y Galerías (MEG) de la Secretaría de Cultura de Jalisco.
Esta muestra trae la obra más reciente del escultor español, el cual se ha inspirado en el arte prehispánico y en México para la creación de una gran parte de sus piezas.
La práctica artística de Mascaró se ha ocupado de diferentes temas y se caracteriza por la realización de piezas escultóricas de hierro, bronce y aluminio, que requieren una gran cantidad de fuerza y habilidad, pues la capacidad de doblegar el metal implica el uso de herramientas como prensas y guillotinas.
Fascinado por la técnica, el escultor reflexiona con cada pieza sobre el proceso de creación y el material elegido, que siempre implica una continuidad histórica con sus referentes, generando así arqueologías contemporáneas.
En el recorrido se puede encontrar con guardianes, máscaras, caminantes, guerreros y jinetes de hierro y aluminio, así como un par de pinturas sobre cartón, con las que el artista nos remite a lo humano a través de una iconografía atemporal y propia que apuesta por explorar nuevas técnicas y materiales, pero siempre con una reflexión sobre el objeto en el espacio.
Xavier Mascaró nació en París en 1965 y desde los 13 años decidió convertirse en artista y aunque se licenció en pintura por la Universidad de Bellas Artes de Barcelona, su formación como escultor fue más bien autodidacta. En 1995 comenzó a fundir en hierro y desde entonces, este ha sido su material predilecto.
Tomando inspiración tras viajar entre América y Europa, sus piezas han sido expuestas en espacios públicos y galerías a lo largo y ancho del mundo, entre los cuales destacan el convento de Santo Domingo en Cartagena de Indias (Colombia), la Saatchi Gallery (Londres), el Palais Royal (París), el Palais Harrach o el Kunsthistorisches Museum (Viena), el Paseo de Recoletos y el Paseo del Prado (Madrid), o los espacios de la Warehouse 421 (Abu Dabi).
Sus muestras recientes en México han tenido lugar en instituciones como el Centro Histórico de la Ciudad de México (Plaza de Seminario, Museo del Templo Mayor y Centro Cultural de España), en el Instituto Cultural Cabañas en Guadalajara (Jalisco), y en el Cecut (Tijuana).
Adicionalmente, su obra ha sido objeto de más de 50 exposiciones individuales, en galerías de ciudades como Nueva York, Ciudad de México, Caracas, Buenos Aires, París, Londres, Düsseldorf, Beirut o Dubai. Cuenta también con más de 150 exposiciones colectivas.
El Centro Cultural González Gallo se encuentra ubicado en Av. González Gallo #1500, colonia Centro, en Chapala y se encuentra abierto de martes a sábado de 11:00 a 17:00 horas y los domingos de 11:00 a 14:00 horas.
Jesús Tadeo Vega “El pintor de la ribera” es el instructor de los talleres. Foto: Alma Serrano.
Alma Serrano.- Con Frida Kahlo como temática, se presentó la muestra colectiva “Los Colores de Frida”, en San Juan Cosalá, la tarde del pasado 29 de julio.
Los participantes fueron alumnos del taller de dibujo de la Casa “Padre Adalberto Macías Llamas”, instruidos por Jesús Tadeo Vega “El Pintor de la Ribera”.
Camisas, sacos, papel y cascarón de huevo fueron algunos de los soportes en los que los niños, adolescentes y adultos realizaron los diseños para su primera exposición. La alumna más longeva tiene 72 años, la cual recibe clases en su hogar y es considerada una alumna destacada.
Tanto por la admiración de Jesús Tadeo, como por el interés de los alumnos por su obra, se eligió a la pintora mexicana como la temática principal de la muestra pictórica.
El pintor de la ribera comentó que tiene más de 20 años impartiendo talleres de dibujo y pintura en la zona, además de 50 de trayectoria en este ámbito artístico.
Actualmente, el maestro Tadeo Vega ofrece talleres en Jocotepec, San Juan Cosalá y El Chante, de manera gratuita, por parte del gobierno de Jocotepec.
Calle Colón, en el centro de Ajijic, una de las más turísticas de la población, es la vía que se pretende intervenir. Foto: Sofía Medeles.
Sofía Medeles.- La calle principal de Ajijic se llenará de vida gracias a la iniciativa de Luilli Barón, creador de la página “La Tradición de Ajijic”, quien convocó a la ciudadanía a sumarse a pintar los postes o a donar el material.
La reunión será el próximo jueves 21 de julio, en punto de las 5:30 de la tarde, en la plaza principal. En la convocatoria se pide a los asistentes llevar pinceles y brochas, aunque en caso de no contar con estas, los organizadores prestarán el material.
Luilli comentó que la idea surgió de ver los postes de las calles, algunos en blanco y otros con imágenes navideñas de hace dos años. Por lo que consideró que la tradición artística del Pueblo Mágico también podría plasmarse en estas estructuras.
Asimismo, la delegación se sumó a la iniciativa donando pintura. Al respecto, el encargado de despacho, Maximiano Macías Arceo, declaró que le pareció una buena propuesta, sobre todo, porque invita a los pobladores a participar.
En la primera sesión sólo se enfocarán en los postes de la calle Colón, a partir de la carretera y, posteriormente, en las demás calles del cuadro principal. “El propósito es que la mayoría de los postes estén pintados”, agregó Luilli Barón.
En cuanto a la donación de material, la pintura que se requiere es pintura vinílica de colores primarios, blanco y negro, además de cualquier tipo de pinceles y brochas. Para donar, se pueden contactar por medio de la página de Facebook “La Tradición de Ajijic” o al número: 33 3485 9822.
Goretti Chavira, photographed outside. Credit: Courtesy of the artist
Alma Serrano (San Juan Cosalá).- Goretti Chavira is a 29-year-old artist born in Guadalajara, currently living in San Juan Cosalá. Despite many difficulties, she taught herself how to paint, and practiced whenever she could. She improved her skills quickly, moving around Lake Chapala. Her motivation has always been to try new things, new methods, new materials, to get closer to her goal of becoming her best as an artist.
She started making art when she was five by doing portraits of her relatives. Between the ages of six and seven, she made and sold her first work. This experience at such a young age activated her passion for what she has been doing for the past 22 years. Although Goretti has worked in different jobs throughout her life, she never gave up her dream of making a living from her art.
She experiments with techniques and styles, from different periods. In most of her works she includes herself symbolically. When asked about where she gets her inspiration, Goretti says she gets most of her ideas from dreams. Her paintings and clay sculptures all contain an air of magical realism.
In 2020, she decided to dedicate her life fully to her art. These days Goretti regularly exhibits her work in art exhibitions around Lake Chapala. She works in various media including oil and acrylic paintings, watercolors, pencil drawings, clay sculptures and tattoos.
In addition to painting, she also works with children at the Voz al Viento Gallery in San Juan Cosalá. She says her work with children is very important to her, because she wants to give them opportunities she never had when she was their age. It’s important to her that they have a strong role model as a person, and an artist, «as an artist I feel a responsibility to show that we are all capable of expressing ourselves and creating more sensitive minds. Whether it’s seeing a work in which we see ourselves, or seeing someone else summon the courage to take the first step, we never know how far our dreams can go.»
Translated by Amy Esperanto
Cast of the Bare Stage production of “Scenes from an “American Life”. Photo: Bare Stage
By: Patrick O’Heffernan
A.R. Gurney was one of America’s prolific playwrights. Over his career he wrote over 50 plays, many winning multiple awards. He was also a challenging playwright – challenging to actors, directors, and audiences in their complexity and layers. His play “The Dining Room”, set in a single room, requires 18 set changes – a stage manager’s nightmare. But it pales in comparison to the challenge presented by Scenes From American Life which introduces100 characters in 40 scenes that randomly appear over 5 decades, all played by a handful of actors.
The Bare Stage and director Rosann Balbontin took on this challenge and they succeeded, producing a striking display of extraordinary acting, subtle but on-target directing, and logistical brilliance that delivers 90 minutes of entertaining and fascinating – if not always easily understandable – theater.
“Scenes from American Life,” which opens Friday June 24 at the Bare Stage Theater in Riberas del Pilar, was written as dramatic comedy by A.R. Gurney uses a series of random vignettes that span 50 years but focused on one family to hilariously skewer the upper classes in Buffalo, New York, and by extension, everywhere. But despite the many witty barbs and cultural references Gurney loads the work with, it was actually written to show off the talents of the actors, and Balbontin took full advantage of it.
The play was originally written for 8 actors who must portray a wide assortment of characters and situations in time periods, ranging from 1930 to 1990s. Each actor has to go from tragic to comic, from oblivious to angry, from youth to old age, from one character to another in the blink of an eye. And they do it flawlessly for the most part.
Just to make it a little more challenging, Bare Stage is presenting the play with 6 actors (probably all they could fit on the stage) , not the 8 called for by Gurney, meaning each actor has a few extra characters to portray. On stage were Mark Donaldson, Sharon Jarvis, Kathleen Morris, Roxanne Rosenblatt, Tony Wilshere, and Ken Yakiwchuk , all of whom not only moved from character to character like shapeshifters in Star Trek, but also were in the right place with the right lines for the right character through all 40 scenes. I don’t know how they did it – kudos to Director Rosann Balbontin for putting this puzzle together.
There is no plot; there are a couple of common elements in most of the scenes, but they are hard to follow, so I don’t recommend it. Otherwise you would have to sit in the audience with a scorecard or spreadsheet to figure where each scene fits into the play’s trajectory; just go with the flow.
A few scenes are likely to be jarring to a modern audience because they foreshadow situations in the US that never materialized. Just accept that the play debuted in 1970 when there were anti-Vietnam War activists and Nixon was spying on them. Watergate was still 2 years away. However, there are some scenes that resonate today, although in ways the playwright could not imagine.
This is a complex play but it really invites you to not overthink it. Just take each bit as it comes and laugh along the way. Watching the acting is pure joy; you can think about what it all means later.
Cast of “Match”. From left: Mark Nichols, Linda Goman, Shawn Sherwood, Donna Burroughs. Photo: Patrick O’Heffernan
Laguna Reviewers. The Lakeside Little Theater kicked off its 2022 ART (Ajijic Readers Theater ) series of live read plays with a riveting tale that blends humor, heart-wrenching pain and emotional release in a splendid reading of the Stephen Belber script “Match, directed by Lynn Gutstadt.
Shawn Sherwood shines as Tobi, the talkative, story-telling, aging choreographer-teacher who inside is deeply sad and lonely. He is interviewed at his home by Lisa, played by Linda Goman, and her husband Mike, played by Mark Nichols, under the pretense of interviewing him for Lisa’s thesis. In reality they are trying to glean information that would establish that Tobi is Mike’s father from a brief affair 43 years earlier.
The interview goes off the rails – and the play explodes with passion – when Mike veers into the dance community’s sex life in 1959, ultimately accusing Tobi of impregnating his mother and desertion and forcibly extracting a DNA sample from him. The scene brings forth Mike’s anger and angst in a precisely calibrated performance by Nichols that changes what had been a humorous scene into an exciting physical drama.
In the second act while Mike is offstage, Goman, who has been playing Lisa with quiet intelligence masking a deep vulnerability, brings her character’s vulnerability to the surface, pouring her heart out in a deeply moving conversation with Tobi that veers from her loneliness, her husband’s pain, to the mutual joy of cunnilingus. The chemistry between the two, and the contrast between Tobi’s extroverted raw emotion and her quiet cry for attention is palpable and wrenching.
Donna Burroughs as Narrator expertly sets the scenes, visualizing the action and providing the audience a physical and emotional context that gives life to the stark stage furnished only with the chairs and the music stands of the actors.
Gutstadt injected a higher level of energy into the production by directing the actors to leave their chairs and engage in critical scenes, a welcome departure from the usual custom of actors staying in their chairs during a live read, regardless of the scene’s physicality.
This is a thumbs-up play that is at once funny and sad, with spot-on acting and deft direction that blends and highlights both emotions. The language is explicit, the emotions are raw, the laughs are real, and the characters are ones you won’t forget soon. A well-chosen and powerful beginning to the ART series. “Match” runs June 17,18, 18. Tickets at lakesidelittletheatre.com
Note: some of the emotional scenes in Act 2 are delivered with quiet, emotion-constrained voices that may be hard to discern, especially in the back rows. Audience members with restricted hearing may want to use the free hearing assistance headphones available in the lobby.
De izquierda a derecha, Ricardo XCF, Ángela Aguilar y Tuxamee. Foto: Cortesía.
Sofía Medeles.- Ricardo Xavier Cortés Fernández -cuyo seudónimo es Ricardo XCF-, colaboró en el diseño tanto de la portada como de los interiores del último disco de Ángela Aguilar, cantante internacional mexicana-estadounidense del género regional mexicano.
Ricardo XCF, egresado de la Universidad de Guadalajara en la licenciatura en Artes Visuales para la Expresión Plástica, con 23 años, trabajó en conjunto con el artista Irving de Jesús Segovia “Tuxamee”, de León, Guanajuato, quien lo invitó a trabajar en el proyecto.
Juntos crearon la portada del disco “Mexicana Enamorada», en la que Cortés Fernández se encargó de pintar la flora del diseño, así como el listón.
En la imagen en la que trabajó el joven criado entre Ajijic y San Juan Cosalá, se puede ver a Ángela Aguilar, en medio de distintos tipos de flores de Zacatecas y El Bajío, y en su pecho, un cintillo con el nombre del disco. Ricardo señaló que la idea original fue propuesta por Irving Segovia.
“Es un homenaje a sus raíces, a sus abuelos, sus aspiraciones y acontecimientos importantes de su vida. […] En su cuello hay un corazón de nopales que alude a su pasión por cantar; la flora representa la tierra de sus orígenes, el florecimiento y madurez de su propuesta musical; y ocultos entre las flores, milagritos que hacen referencia a sucesos de su vida, como cuando aprendió a montar a caballo y su visión futura de la música. La imagen también hace referencia a una corona de santos, utilizada en altares y procesiones, es una metáfora visual de la promesa musical de la familia Aguilar para la música regional mexicana”, comentó el joven artista.
En cuanto a su experiencia, la definió como interesante, desde conocer a la autora del disco hasta colaborar con Tuxamee, de quien dijo que, estima como amigo y admira como artista y como ser humano. La difusión internacional de la imagen “rebasó sus expectativas”, ya que le pareció impactante y grato ver como sus pinturas han sido proyectadas en lugares como el Madison Square Garden en Nueva York, Estados Unidos.
Por su parte, el artista plástico continúa con más proyectos en puerta, como la titulación de su licenciatura, más colaboraciones con Tuxamee, la creación de distintos talleres en la ribera junto a Claudia Larissa, artista de Jocotepec, en donde exploran la experimentación artística; y, por otro lado, creando un colectivo de auto publicación con artistas de todo el país.
Individualmente está explorando la autopublicación y los soportes artísticos alternativos, tocando temas relacionados con la disidencia sexual, su identidad, la experiencia artística y otras cuestiones que son de su interés.
“Últimamente estoy permitiendo dejarme llevar por experiencias y oportunidades que me son ofrecidas”, manifestó. Tanto sus trabajos, como su contacto, se encuentran en su cuenta de Instagram como ricardo.xcf.
Y, aunque no está seguro de sentirse en posición para dar un consejo, en su experiencia, recomienda a quienes compartan su profesión o estén interesados en ella, a dejarse llevar, y disfrutar de los procesos, sin prestar atención a comentarios malintencionados, intentar hacer cosas nuevas, ser sincero con uno mismo y estar dispuestos al trabajo en equipo.
Goretti Chavira a sus 29 años de edad. Foto: Cortesía.
Alma Serrano.- Goretti Chavira es una joven artista de 29 años de edad nacida en la ciudad de Guadalajara, Jalisco. A pesar de muchas dificultades, aprendió por sí misma todas las técnicas pictóricas, practicó cada vez que pudo y mejoró sus habilidades rápidamente, teniéndose que mover de un lugar a otro alrededor de la Ribera de Chapala.
Su primer contacto con dicho arte fue a los cinco años haciendo retratos de sus familiares, ya entre los seis y siete años hizo su primera pintura y vendió su primera obra. Esta experiencia activó su pasión por lo que ha hecho en los últimos 22 años.
Aunque Goretti a lo largo de su vida se ha desempeñado en empleos de diferentes índoles, jamás dejó de lado su sueño de vivir de esta “apasionante actividad”.
La artista experimentó con técnicas y estilos de diversas épocas, de donde obtuvo muchos elementos que las distinguen, excepto que en la mayoría de sus obras simbólicamente aparece ella, además del sentimiento místico que se produce de forma natural.
Goretti obtiene la mayor parte de su inspiración de los sueños y las ideas que surgen en su mente. Eso crea una atmósfera única, tanto en pinturas como en esculturas de arcilla, y todas contienen un realismo mágico y místico.
La motivación de Chavira siempre ha sido probar cosas nuevas, nuevos métodos, nuevos materiales, para aproximarse hacia su meta de convertirse en “la mejor artista”.
En el año 2020 decidió dedicar su vida de lleno al arte. Y ahora Goretti exhibe regularmente sus obras en exposiciones de arte alrededor del lago. Su trabajo consiste en pinturas al óleo y acrílico, acuarelas, dibujos a lápiz, esculturas de arcilla y tatuajes.
Actualmente, esta joven artista vive en San Juan Cosalá. Pasa su tiempo principalmente produciendo arte en el estudio de su casa y trabajando con niños en la galería “Voz al viento”, donde también se exhiben algunas de sus obras.
El trabajo con los niños es muy importante para ella, porque quiere darles oportunidades que nunca tuvo cuando tenía su edad. Ella siempre trata de tener un impacto positivo y ser un buen modelo a seguir para ellos, para hacer que el mundo sea un poco mejor, día a día.
“Como artista siento la responsabilidad de mostrarle a la sociedad que todos somos capaces de expresarnos, y de crear mentes más sensibles, ya sea viendo una obra en la que nos identifiquemos, o viendo que alguien tiene el coraje de empezar con el primer paso para saber hasta dónde pueden llegar nuestros sueños”.
© 2016. Todos los derechos reservados. Semanario de la Ribera de Chapala